ZABALTEGI
Esta sección se divide en
dos partes: Zabaltegi Perlas, y Zabaltegi Especiales (desde esta
edición del Festival, protagonizan un ciclo propio las
películas realizadas por nuevos directores/nuevas directoras).
Las Perlas de Zabaltegi se
definen oficialmente como «una selección de las
películas más destacadas del año, algunas de las
cuales han sido presentadas en otros festivales». Las Zabaltegi
Especiales son «una selección de propuestas muy variada,
sin distinciones de normas, géneros o duraciones, en las que
prevalece un alto interés cinematográfico».
Las películas subrayadas
de las dos listas son las que he podido ver durante el Festival (a
excepción de “AMOUR”, que he podido ver en
Pamplona/Iruña a través del Programa ofrecido por Golem
“De Donosti a Iruña”). En general, como son
títulos mucho más conocidos que los que se pueden
presenciar en las secciones de Nuevos Directores y Horizontes Latinos,
les dedico menos espacio, y menos todavía si son estrenables después del
Festival.
Lista de Perlas:
APRÈS MAI FRANCIA Duración: 120m. Olivier Assayas
THE IMPOSTER (EL IMPOSTOR)
REINO UNIDO 95m. Bart Layton
AMOUR (AMOR)
FRANCIA-ALEMANIA-AUSTRIA Duración: 127m. Michael Haneke
THE ANGELS' SHARE REINO
UNIDO-FRANCIA-BÉLGICA-ITALIA 101m Ken Loach
CESARE DEVE MORIRE
(CÉSAR DEBE MORIR) IT 76m. Paolo y Vittorio Taviani
NO CHILE-EEUU-MÉXICO Duración: 110m. Pablo
Larraín
BEASTS OF THE SOUTHERN WILD (BESTIAS DEL SUR SALVAJE) EEUU 92m. Benh
Zeitlin
HOPE SPRINGS (SI DE VERDAD
QUIERES...) EEUU 100m. David Frankel
SAVAGES (SALVAJES) EEUU Duración: 131m. Oliver Stone
THE SESSIONS (LAS SESIONES) EEUU Duración: 97m. Ben Lewin
IO E TE ITALIA Duración: 97m. Bernardo Bertolucci
ESTA NO ES LA VIDA PRIVADA DE JAVIER KRAHE ESPAÑA 85m. Ana
Murugarren, Joaquín Trincado
Lista de Especiales:
BAZTAN ESPAÑA Duración: 98m. Iñaki Elizalde
BYPASS ESPAÑA
Duración: 98m. Patxo Telleria, Aitor Mazo
OPERACIÓN E ESPAÑA-FRANCIA Duración: 108m. Miguel
Courtois Paternina
7 DÍAS EN LA HABANA ESPAÑA-FRANCIA 129m.Benicio del Toro,
Pablo Trapero, Elia Suleiman, Julio Medem, Gaspar Noé, Juan
Carlos Tabío, Laurent Cantet
ZULOAK (AGUJEROS) ESPAÑA Duración: 99m. Fermin Muguruza
AS LINHAS DE TORRES PORTUGAL Duración: 180m. Valeria Sarmiento
TROPICALIA BRASIL Duración: 87m. Marcelo Machado
EMAK BAKIA BAITA (LA CASA EMAK BAKIA) ESP Duración: 83m. Oskar
Alegria
ASURA JAPÓN Duración: 75m. Keiichi Sato
XINGU BRASIL Duración: 103m. Cao Hamburger
SHOKUZAI / PENANCE (SHOKUZAI)
JAPÓN Duración: 270m. Kiyoshi Kurosawa
KÖNIG DES COMICS (RALF KÖNIG, REY DE LOS CÓMICS) ALE
80m. Rosa von Praunheim
KLIP SERBIA Duración:
102m. Maja Miloš
KERN AUSTRIA Duración: 101m. Veronika Franz, Severin Fiala
PALABRAS MÁGICAS MÉX-GUA-NIC 86m Mercedes Moncada
Rodríguez
THE BAY EEUU Duración:
85m. Barry Levinson
The Bay
Barry Levinson
Película más de
Semana de Terror (los que son de Donosti me entienden perfectamente).
Es lo más evidente que puedo escribir de ella. Romero ya hizo su
peli de zombis adaptados a las nuevas tecnologías, y Barry
Levinson riza el rizo. Construcción de la historia a
través de injertos de realidad memorizada por diversos aparatos
y herramientas virtuales (grabaciones domesticas, chats, Youtube, mensajes sms,
etc…). Un trabajo más de falso documentalista que de otra
cosa. Más que la historia en sí misma, de “The
Bay” destaco el que de alguna manera nos ayuda a entender
cómo puede ser la vida de un moderno adolescente que se
encuentra con hechos diferentes a los de su vida cotidiana, ante los
cuales su única salida es la de grabarlos, recogerlo todo como
sea, y luego que le cojan confesado.
Paciencia con ella; no muy larga,
bastante movida. Mensaje claro, pero repetitivo. Una de tantas.
Cualquiera con mas de 20 años lo puede pasar mal si no es
aficionado al género y no digamos si es alérgico al
maldito chismerío electrónico imperante. Su presencia en
Zabaltegi Especiales se agradece, pero por mi parte dudo de si no
habría habido mejores cintas que seleccionar; alguna más
“especial”. Porque ésta de esto último no
tiene nada. Lo único, cierta transgresión hacia el propio
Festival. Cosas de Rebordinos, quizás.
Shokuzai
La Madre, y sus cuatro condenadas
Esta sí que es especial.
Hubo un pase el primer día del Festival, a medianoche, en el
Teatro Principal. Sólo para insomnes. Si la sesión
termina cerca de las cinco de la mañana, me dirán ustedes
cómo se maneja uno los días que le esperan llenos de
películas por ver. Así que opté por el pase
dividido en dos sesiones. La primera, introducción a la
historia, más dos capítulos. La segunda, dos
capítulos, más la resolución final. En mi caso,
opino que ver una miniserie de televisión japonesa en el
Festival es un auténtico lujo. Una gran oportunidad para ver en
pantalla grande un pequeño continuum
de cultura japonesa. ¡Con lo difícil que ya es ver una
película japonesa! ¡Y cada vez más!
El capítulo introductorio
nos cuenta la historia de una niña violada y asesinada en un
colegio. Cuando descubren los hechos, cuatro compañeras suyas
hacen cosas diferentes. Una va a avisarle a la madre. Otra, al koban (policía). Otra, se da
una vuelta por la escuela, para ver si encuentra ayuda. La cuarta, se
queda mirando a la fallecida, tirada en el suelo del gimnasio,
esperando. La madre las reúne en su casa y les pide ayuda.
Algún tipo de pista para poder coger al asesino. Ellas no
hablan. Y la madre les condena con una pena, una especie de
maldición, que cumplirán en el futuro. Al parecer, las
niñas aceptan el castigo.
Yu Aoi (I Capítulo)
Y el primer capítulo como
tal nos enseña qué es lo que ocurre con la niña
que se quedó esperando. Ya de mayor, de unos veintipico
años, se muestra a una chica miedosa, que siempre que llega a
casa mira hacia atrás. Conoce a un chico calladito, un poco
raro. Alguien que en realidad conoce a la chica desde que era una
niña; a la que considera una muñeca. Nos enteramos de que
ella nunca ha tenido la regla. Cierta perversidad, y grotesco
desarrollo. Se casan. Él le exige a ella que se quede despierta
al lado de una muñeca, hasta que él se duerma. Aún
así, la sala tampoco se sorprende demasiado, ni siquiera las
señoras de bien que (no sé por qué) también
han acudido al pase de Shokuzai.
Eiko Koike (II Capítulo)
El segundo capítulo, menos
bizarre, trata sobre la
niña que en su día fue en busca de ayuda dentro del
colegio. Convertida de mayor en una profesora, narra sus aventuras como
mujer que adopta un papel activo a la hora de enfrentarse a los
alumnos, al resto de profesores, e incluso, a un asesino que entra por
sorpresa, cuchillo en mano, en la piscina del instituto.
Ando Sakura (III Capítulo)
El tercer capítulo,
quizás el más equilibrado de los troncales que
corresponden a las cuatro niñas, está dedicado a la que
acudió a casa de la madre para avisarle de la mala
noticia. Ella cree ser un oso, porque hace muchos años
así se lo dijo su hermano, quien por otra parte resulta ser un
pedófilo que se encariña con la hija de su presente
pareja. Entrañables los detalles paralelos a la historia.
Ikewaki Chizuru (IV Capítulo)
El cuarto capítulo, sobre
la niña que fue a avisar a la policía. Aquella misma
noche, un policía le dio la mano, y ella no lo olvidó; o
no pudo olvidarlo nunca. Por eso, cuando se entera de que su hermana
tiene por marido un policía, no duda en ir a por él. Se
lo tira. Al tiempo, lo mata, tirándole por unas escaleras.
Aparte, le pide a la madre de la niña que fue violada y
asesinada, que le preste a su marido, a cambio de darle cierta
información que ha recordado sobre el asesino de su hija.
El factor común de las
cuatro historias es que en todas ellas, las chicas no pueden dejar de
lado su pasado. Algunos pensarán que todas estas historias no
tienen ni orden ni concierto, pero lo hay. En la romántica mente
del pueblo japonés, el más mínimo detalle, hecho,
conversación, denotación, aclaración, lo que sea,
se puede convertir en un elemento que no se olvida para el resto de la
vida. Es una vuelta atrás constante. Una especie de penitencia,
no sólo para las cuatro niñas, sino para todo
japonés. Aquí, en este país, tendemos a olvidarnos
más de todo; de media.
La parte final se resuelve
gracias a la información que recibe la madre en el cuarto
capítulo. Es todo bastante folletinesco. Aparece un amante que
tuvo ella hace muchos años, antes de casarse. Nos enteramos por
fin de que… el asesino de la niña no es sino su propio
padre.
Así, la mezcla de Sófocles, en
concreto de su tragedia “Edipo Rey”, con el savoir-faire de Kiyoshi Kurosawa,
da por resultado una miniserie de lo más entretenida y
disfrutable. Drama contenido, sin mucha violencia visual, a ratos algo
escabroso, pero se nota que fue rodado con miras a ser para todos los
públicos. Aparte, se presencian momentos de cotidianeidad
japonesa. El chico que se ha casado, y aparece en casa de sus
sorprendidos padres con su mujer, y la niña que tenía
esta, como si tal cosa.
The Imposter
Productor y Director
Se supone que es un historia
real, rodada en forma de documental. Es decir, no es un falso
documental, sino un documental basado en hechos reales. Así lo
repite una y otra vez su director, aunque es difícil creerse
esos hechos reales. De todas maneras, esto es lo de menos. En un mismo
Festival, ver “The Bay” y “The Imposter” en tan
corto lapso de tiempo, es algo que destroza tu cerebro. De nuevo
película montada en base a injertos de realidad memorizada,
vía entrevistas hechas a los familiares del supuesto niño
desaparecido. Forma de presentar el producto al espectador muy, muy
cansina. Antes de entrar en la sala se me dijo que estaba muy bien, y
por la ley de acción-reacción newtoniana, uno sale del
cine decepcionado. Pensaba ver algo más. No se pierde nada si
uno no la ve. Lo más interesante del pase fue ver a su director,
inglés, hablando un meritorio castellano, detalle de agradecer.
La película cuenta con una escena aparentemente rodada en
Linares (Jaén) bajo una tremenda tormenta, que tiene su
qué. Aparecen breves planos de “Kojak”, y
“Starsky y Hutch”, a la manera de homenaje al género
policiaco.
Cesare Deve Morire
Los hermanitos Taviani
Le oía a un espectador a
la salida del pase que rodando “Julio César” es
difícil que salga mal la película. Y no le falta
razón. La película se ayuda muchísimo de la fuerza
del shakesperiano argumento. Claro está que hay que saber
transmitirla. Y en cierta manera, la película (ganadora del Oso
de Oro 2012) es como un juego a tres bandas que los hermanos directores
Taviani consiguen llevar a la perfección, sin alharacas
innecesarias. Viendo el filme pensamos en el Julio César de
verdad, en el que escribió Shakespeare, y en el que se va
formando en ese patio de la cárcel, donde se ensaya con
paciencia la obra que preparan los reclusos. Quizás el que les
queda mejor a los Taviani es este tercero. Porque se dan a entender
entre los presos toda una serie de relaciones que van desde la amistad
a la traición, del respeto a las ganas que tienen algunos de
matarse entre sí, reproduciendo sin querer la obra de Julio
César. Es decir, en esa cárcel se produce una doblez en
la realidad, con el mismo argumento. El ensayo y la realidad de una
misma historia.
Y con lo poco que dura la
película, 76 minutos, no es nada fácil aglutinar todos
estos elementos. También ayuda la elección de rodar en
blanco y negro muchas de las escenas en la cárcel. Así,
estamos ante una pequeña joya del séptimo arte.
Quizás porque no estemos acostumbrados tanto a Shakespeare y al
teatro en general, se nos va antes de la cabeza. Pero es de las
películas que habría que volver a ver de vez en cuando,
aunque sea una vez cada diez años.
Mención aparte, esto es
algo más personal, se merece la banda sonora de la
película, que si no recuerdo mal, es la que más me
cautivó de todo el Festival. Debida a Giuliano Taviani,
compositor hijo y sobrino de Paolo y Vittorio (o al revés).
La película termina con
una frase del preso que hace de Casio: «Desde que he conocido el
arte, mi celda se ha convertido en una cárcel». Yo le
diría a este preso, con cierta sorna, que quizás fuera de
la cárcel no hubiera tenido tanto tiempo libre para ensayar la
obra, ni quizás la oportunidad de hacerlo. Al paso que van las
cosas. Por cierto, el actor que hace de Brutus (Salvatore Striano) se
parece extraordinariamente a Jack Mircalla.
Recalcar que la película
se rueda realmente en la cárcel Rebibbia de Roma, en la que
también realmente se llevan a cabo representaciones por parte de
los presos. Todos los actores, menos precisamente Salvatore Striano
(que ya salió de la cárcel hace unos años), eran
presos en el momento del rodaje.
Bypass
Comedia de enredo, entretenida.
Tampoco vamos a decir hilarante. Rodada en euskera, con varios
guiños al catalán. Una pena que haya sido producida entre
otros por un famoso grupo hospitalario privado del país. Una
pena que el guión sea tan descaradamente partidista. Ciertamente
se sugiere en la cinta la idea de que nada mejor como una
clínica privada. Uno de los protagonistas al final de la
película sufre las
consecuencias de acudir de urgencias a un hospital
público… Muchas bromas cruzadas acerca de la banca, que
quedan muy simpáticas; pero tan idiotas no somos señores.
A evitar, al menos hasta que la depre
se acentúe tanto que debamos acudir a un centro privado.
Hope Springs
What
de Fog´m Duin Hea?
Esta parece financiada por
algún grupo de extrema derecha americana. Esa especie de cura
sabelotodo que encamina a la pareja hacia un estado próximo al
nirvana estuvo a punto de producirme una reacción
alérgica en los ojos (ya cansados en los últimos
días del Festival). El casting
es para echarse a llorar. El señor Jones debió de dejar
el carromato en segunda fila, al lado del Urumea, para acudir al
Kursaal a recoger un incomprensible premio. Espero que le multaran como
al resto. La señorita Streep da todavía más
vergüenza ajena desde que tomara posesión de ella el
fantasma de la Thatcher. Todo rodadito y montadito para esas amas de
casa hartas de no poder decir abiertamente en su casa que en realidad
les encantan las teleseries venezolanas. Es que uno debe defender lo
que le queda de juventud. A evitar rigurosamente.
Klip
Maja Milos, directora
Cambio de tercio con esta
película serbia, que trata sobre las aventuras de unos
jovencitos en los suburbios de Belgrado. Muy parecida en
intención a “Después de Lucía”, aunque
ésta última sea mucho más recatada y seria. La
directora, Maja Miloš, hace un ejercicio mezcla de sexploitation y denuncia.
Reconozcamos que la protagonista está como para comérsela
entera, y hay que agradecer su desenvoltura ante las cámaras.
Más en serio, la
película es bastante dura, con un final que sobrecoge bastante.
Juventud condenada a jugar constantemente con el teléfono
móvil, a grabarse entre ellos mientras se comportan como
verdaderos conejos en celo, y se meten en el cuerpo todas las
sustancias que buenamente llegan a su alrededor. Mientras, sus
sufrientes familias hacen lo que pueden para sobrevivir. Surge de nuevo
una visita a un hospital, y a un centro de menores acogidos.
Película que resume en buena parte los dos patrones más
comunes que he podido detectar en el cine más de denuncia del
Festival: la influencia del teléfono móvil en la cultura
moderna, y el extenso catálogo de dificultades que se presentan
a la hora de tener que acudir a un hospital.
Isidora Simijonovic
Lo mejor del pase fueron las
traducciones con subtítulos de las canciones que se escuchan a
lo largo de la película, en las fiestas y raves que se montan los jovencitos.
No sé qué mezcla de folklorismo turco-griego, con letras
que parecen escritas por un admirador de Raphael adaptadas por
Esplendor Geométrico.
The Angel´s Share
John Henshaw recoge el merecido premio
¿Qué decir de esta
película? Puestos a elegir solamente una, es la que
recomendaría a cualquiera, de todas las que he visto. En
cualquier momento, en cualquier lugar. A pesar de la época en la
que vivimos, repleta de altibajos existenciales, que se exhiben
también en la cinta, Ken Loach logra rodar una historia amena,
humana, aventurera, que parece que la hemos visto antes en algún
otro sitio, pero que parece moderna, fresca, actualizada. Una joya.
Véanla si pueden. No quiero decir nada más sobre ella.
Amour
Película de Michael Haneke
vista en el programa “De Donosti a Iruña” ofrecido
por los cines Golem unos días después del Festival (cosa
muy de agradecer, pues también se proyectaron la Concha de Oro,
“Cesare deve morire” y “Beasts from the Southern
Wild” a un precio popular, —lo que llevó a colapsar
la sala—).
La película de Haneke es
triste, muy triste. Ya de por sí lo que se cuenta lo es, pero
Haneke, con esa moral tan teutónica que lleva encima, pone las
cosas peores de lo que son. Me pregunto por qué rueda esta
película en París, y no en Alemania o Austria.
¿Acaso porque queda mejor hablar de amor y de cariño en
la ciudad del amor? Juega con este tema, y no me gusta. Lo que hace es
coger esto de aquí, y aquello de allá, lo que
artificializa el conjunto sin necesidad. Ya puestos, que la hubiese
rodado en el invierno de cualquier ciudad del norte de Alemania. Porque
allí todo hubiera sido más triste, pero más real.
Esto de montar un nido de amor para luego destruirlo como si fuera un
niño pisoteando un castillo de arena es algo ciertamente
tramposo por parte de Haneke. Mención especial a Trintignant y
Madame Riva, que le sirven en bandeja dos interpretaciones
magníficas.
Jean-Louis Trintignant et...
... Emmanuelle Riva
